The Doors,  Les pink floyd, Deep purple… 

Comment ces groupes mytique ce sont-il formés ?

Dans les années 60′, de grands groupes aujourd’hui devenus mytiqueS et qualifiés d’incontournables se sont formés. Pink Floyd, Led zeppelin, The Doors, Deep Purple et j’en passe viennent tout droit des années 60′,  c’est une réelle révolution musicale et une nouvelle ère qui débute créant les bases de nombreux styles musicaux aujourd’hui connus de tous. Mais vous étes vous déja demandé comment ces groupes aujourd’hui si mytiques se sont formé au départ ? Si oui cet article est fait pour vous.

Nous allons tout d’abord voir comment les Pink Floyd se sont formés, puis les Doors et finalement les Deep Purple pour clore le tout.

Pink Floyd

C’est en 1966 que le groupe se forme avec Syd Barret au chant et à la guitare, Roger Waters à la basse, Nick mason à la batterie et Rick Wright au clavier ainsi qu’a l’orgue. L’histoire commence à la Cambridgeshire High School for Boys ou Syd barrett et Roger Waters se rencontrent pour la première fois. Ils ont tout les deux une passion commune : la musique. Très vite ils deviennent de bon amis et finissent par manquer plus de la moitié des cours préferant aller jouer de la musique chez eux ou fumer derrière le lycée… C’est donc en 1966 que Syd Barrett décide de créer un groupe au côté de Roger Waters. Syd Barrett décide d’appeller le groupe “Pink Floyd”. Contrairement à ce que l’on pense, cela ne veut pas dire “Flamant rose” mais c’est en référence à deux blues man : “Pink Anderson” et “Floyd Council”. Il écrit et compose l’intégralité du première album “The Piper at the Gate of Down” sorti en 1967 soit un an après la formation intégrale du groupe. En cette même période le mouvement hippie est en pleine essort et de nombreuses substances psychédéliques font leur apparition tels que le LSD qui rendra Syd Barrett incapable de jouer sur scène. Trop addict à cette drogue, il sera exclu groupe. C’est finalement après le départ de Syd Barrett que David Gilmour rejoint le groupe au chant et à la guitare. Rogier Waters deviendra après le départ de son ami le parolier principal du groupe.

The Doors

Les Doors font partie aujourd’hui d’un des groupes des années 60’/70′ à avoir créer un son unique qui à eux seul leur appartient. On y retrouve Ray Manzarek à l’orgue, Jim Morrison au chant, John Densmore à la batterie ainsi que Robby Krieger à la guitare. Le groupe se forme  d’abord en 1965. Ray Manzarek et Jim Morrison sont tous les deux dans une école de cinéma de Los Angeles ou ils se rencontrent une première fois. Morrison fait des court-métrage très critiqués négativement à cause de la provocation omniprésente dans ses oeuvres qui sont très incomprises du reste de ses camarades. Un seul adhère à ses courts-métrage : Ray Manzarek. Le manque de compréhension envers ses projets poussa Morrison à quitter son école en cours d’année. Quelque temps après cette évènement, Jim Morrison est en surpoids ( 90kg pour 1m80 ) ce qui le pousse à faire du sport sur la plage de Venice Beach où il revoie Ray Manzarek et deviennent par la suite très amis. Jim Morrison explique timidement à son ami qu’il écrit de nombreuses chansons et poèmes pendant ses heures perdues, mais Manzarek veut écouter, Morrison hésite puis fini par chanter l’air de “Moonlight Drive”, musique qui apparaîtra en 1967 sur leur deuxième album “Strange Days”. Ray Manzarek est convaincu du travail de Morrison et veut immédiatement faire un groupe lui expliquant qu’il fait déja de l’orgue. Il propose le nom de “Dyonisos” en référence au dieu greco-romain, mais Morrison lui explique qu’il a déja trouvé un nom “The Doors” pour “Les portes de l’Esprit”.

Deep Purple

Le groupe débute en 1967 lorsque le rock commence à faire beaucoup parler de lui. C’est tout d’abord John Lord, organiste virtuose, qui est contacté par deux producteurs de musique qui souhaitent faire affaire dans l’industrie du rock. Ils proposent à lui et à Ritchie Blackmore, ancien guitariste des “three musketeers”, de crée un groupe de rock. Ritchie appela par la suite son ami Ian Paice, batteur virtuose, de créer le groupe, s’en suit Nick Simper à la basse et Rod Evans au chant. Le groupe décide tout d’abord de s’appeler les “Roundabout” qui veut litteralement dire les “rond points” puis “Concrete God”, mais Ritchie Blackmore décide finalement d’appeller le groupe “Deep Purple” en réfèrence à une musique de Hellen Forrest et Artie Shaw que sa Grand-mère aimait beaucoup. En 1968 le groupe change de membre et remplace Nick Simper par Roger Glover puis Rod Evans par Ian Gillan et enregistre de 1968 à 1969 trois albums : “Shades of Deep Purple”, “Book of Talyesin” et “Deep Purple”.

Maintenant vous savez comment quelque uns de vos groupes préférés des sixties et des seventies se sont formés grâce à ces quelques anectodes.

Le Glam Rock

La plupart du temps, il nous semble que l’on écoute trop souvent les même musiques : même si elles sont toutes uniques à leur manière elles peuvent très vite devenir lassante. Soit parce qu’elles sont « commerciales » soit parce que l’on a trop l’habitude d’entendre toujours le même son.

Pourquoi donc ne pas changer d’air et découvrir ou re-découvrir des genres musicaux que l’on écoute très peu d’ordinaire ? CultureNews vous propose donc aujourd’hui de vous présenter le Glam Rock.

Trop souvent oublié dans l’histoire de la musique, le glam désigne un genre de rock qui s’est développé au début des années 70 particulièrement au Royaume-Uni. Il est considéré comme purement britannique car en effet, la vague glam n’arrivera jamais vraiment à dépasser la Grande Bretagne et sera boudé très longuement par les américains et les français. 

Le glam se caractérise par l’androgynie et l’excentricité vestimentaire des artistes. Strass, paillettes, talons hauts, maquillage, ambiguïté sexuelle, voilà les mots qui peuvent mieux décrire le style de ces « dandys » en ce début d’année 70. En ce sens, ce fut la première forme de provocation apparue en Angleterre. Si aujourd’hui, il nous serait inconcevable de voir des hommes (car c’est en particulier la gente masculine qui dominait le glam rock) avec un look aussi excentrique et osé, comparable aux pires tenues de Lady Gaga, c’était en ce début d’année 70 monnaie courante. Et plus on en faisait, plus on avait du succès. Succès des fois bien éphémère. Si le glam est considéré désormais comme un genre « dépassé », à cause d’artistes tel que Gary Glitter qui auront donné une image assez « ridicule » de ce genre, il n’empêche que quelques artistes de cette période ont marqués ce début de décennie.

Zoom sur trois groupes et artistes représentant à eux seuls le glam rock à son apogée : 

1- T.Rex

( Bill Legend, Mickey Finn, Marc Bolan et Steve Currie )

Ce fut lorsque pour la première fois Marc Bolan, le leader du groupe, couvrit son visage de paillettes pour sa performance Hot Love au Top of the Pops de 1971 que le Glam Rock vit le jour. T.Rex est LE groupe glam et est considéré comme le fondateur principal de ce mouvement avec l’album Electric Warrior et The Slider. La musique de T.Rex se caractérise par un boogie entraînant rappelant vaguement les années du rock’n’roll. Avec le charisme inéluctable du leader, son timbre de voix unique, ses musiques entraînantes, le boogie enflammé de leurs nombreux hits et ces looks toujours plus provocants les un que les autres, ce fut non sans surprise que la « T.Rexmania » déferla sur l’Angleterre, faisant tomber en pamoison les jeunes adolescentes en fleur de tout le Royaume Uni. Du jamais vu depuis la Beatlesmania ! Phénomène comparable à une « étoile filante » car il s’estompa aussi vite qu’il ne fut apparu … A la mort du leader en 1977, le groupe se dissolve, ne trouvant pas de raison de continuer sans l’élément principal du succès de T.Rex : Bolan lui-même.

Albums phare : Electric Warrior, The Slider, Tanx, Zinc Alloy

Get it on : http://www.youtube.com/watch?v=COj1gz3MY6o

20^th century boy : http://www.youtube.com/watch?v=Ylww2dOW7fg

2- David Bowie

Artiste connu dans le monde entier, c’est le glam rock qui a permis à ce géant de la musique de se donner un nom et une notoriété. Il est très souvent à tort nommé comme le fondateur du Glam Rock, alors qu’il ne l’aura qu’amélioré. Tout de même, la sortie de The Rise and Fall of Ziggy Stardust en 1972 le placera en concurrence directe avec son ami de toujours, le leader du groupe T.Rex. Durant toute l’année 72, la presse britannique ne cessera de les comparer, et c’est finalement David Bowie qui remportera les faveurs du public. Salué par la critique de part son charisme et ses musiques qui touchaient toutes les générations, on peut dire que l’image du Glam Rock est très souvent représenté par Bowie et son personnage de scène Ziggy Stardust. Son look, encore plus androgyne que celui de T.Rex ou Roxy Music en inspirera plus d’un. Au-delà de son style vestimentaire, il ira plus loin que tout autres artistes glam en se déclarant bisexuel en 1976 et alla ainsi au bout de la provocation que revendiquait le glam rock. David Bowie continuera ensuite à emprunter d’autres chemins musicaux tels que la pop ou le funk et à délaisser le glam. Aujourd’hui c’est un artiste reconnu qui sortira cette année même un tout nouvel album The Next Day. C’est le seul artiste glam à être encore connu et très actif dans le monde musical.

Albums phare : The Rise and Fall of Ziggy Stardust, Aladdin Sane, Diamond Dogs

Life On Mars : http://www.youtube.com/watch?v=v–IqqusnNQ

Starman : http://www.youtube.com/watch?v=muMcWMKPEWQ

3- Roxy Music

(Brian Eno, Andy MacKay, Bryan Ferry, Paul Thompson, Phil Manzanera)

Avec sa musique sophistiquée et novatrice, Roxy Music est un groupe qui aura marqué le glam rock de par leur succès inattendu et immédiat à la sortie de leur premier album Roxy Music. A l’instar de Bowie ou T.Rex, ils mêleront le glam à une musique avant-gardiste et expérimentale. De plus il est assez surprenant de savoir que ce groupe revendiquera son influence du pop art et d’Andy Warhol. On retrouve ici ce besoin de provocation et de changement propre au glam, provocation qui se verra jusqu’à dans leur style vestimentaire. De ce groupe, on retient principalement Bryan Ferry au chant et Brian Eno qui composa des merveilles au synthé. Le groupe se sépara au milieu des années 70 au profit de la carrière solo de Bryan Ferry, pour finalement se retrouver dans les années 80, se re séparer … et enfin reprendre le groupe en 2002 ! Aujourd’hui Roxy Music n’est plus très actif, à part pour quelques dates. Depuis les années 80, aucun album studio n’est ressorti.

Album phare : Roxy Music, For Your Pleasure, Country Life, Siren

Love is the drug : http://www.youtube.com/watch?v=0n3OepDn5GU

Virginia Plain : http://www.youtube.com/watch?v=OEalg62F8Zg

___________________________________________________________________________________________________

Le Glam Rock est un genre riche, et il serait impossible de le définir exactement.

D’autres groupes ou artistes glam existaient telS que Slade, Gary Glitter, The Sweet etc. Malgré tout, la plupart eurent du mal à percer ou à rester dans la lumière et dans l’histoire de la musique. C’est vers 1975-76 que les paillettes s’estompèrent, l’androgynie chez les hommes fut moins acceptée, les extravagances aussi et la question de la sexualité libérée en resta là. Toutefois, à la fin de l’ère du glam, ce besoin de provocation et de révolte commença à prendre de plus en plus d’ampleur et inspira le Mouvement Punk.

De nos jours, la radio est un moyen qui permet de se cultiver, de s’informer et de se divertir. En France, il existe plusieurs types de radio : les radios associatives, qui sont financées par des subventions publiques; les radios privées financées par la publicité, ce sont des entreprises à but lucratif comme NRJ, et enfin les radios publiques gérées par Radio France qui sont payées par les impôts. Cette dernière est composée de 44 stations et écoutée par plus de 3 millions de personnes. France Bleu Vaucluse, une composante de Radio France, attire tous les jours jusqu’à 50 000 auditeurs dont la moyenne d’âge est d’environ 60 ans.

Les élèves de première « enseignement optionnel musique » (qui se spécialisent dans les médias) se sont rendus sur place le 28 janvier afin de découvrir le monde de la radio et les métiers qui l’entourent.

Les premières option musique à la radio France Bleu Vaucluse

Nous avons donc rencontré la responsable des programmes dont la fonction est d’organiser les séquences de diffusion des émissions selon une chronologie très précise. Elle nous a fait part de ses deux passions : d’une part, les contacts humains comme rencontrer de nouvelles personnes, mettre en valeur des salariés – elle cumule par ailleurs la fonction de responsable des ressources humaines – et d’autre part, en tant que journaliste, satisfaire la curiosité des gens, partager ses connaissances et son envie de découvrir de nouvelles choses.

Sept journalistes se rencontrent tous les jours à la même heure pour une conférence de rédaction : ils choisissent leurs sujets et se répartissent les tâches. Certains écrivent des articles sur Internet, d’autres préparent les émissions qui sont diffusées à la radio. On trouve d’autres métiers présents dans les locaux de la radio comme des techniciens, qui ont généralement un BTS en audiovisuel et qui manipulent les outils et gèrent le son ; un ou une chargé(e) d’accueil, qui s’occupe des auditeurs ayant gagné des cadeaux, qui réceptionne les appels… et des animateurs, 10 dans cette radio, qui se relaient toute la semaine, et qui se réunissent une fois par semaine avec leur responsable pour faire une mise au point. Ce métier d’animateur présente des contraintes, comme des horaires nocturnes, et exige une bonne humeur permanente malgré la fatigue. Le journaliste et l’animateur présentent des caractéristiques différentes. On attend d’un journaliste une grande rigueur sur l’information donnée ainsi que de la curiosité. Le journaliste va, lui, présenter les informations fournies par les journalistes. Il lui faudra savoir formuler l’information de manière à ce que l’auditeur ou le lecteur puisse garder leur propre liberté de pensée, de vérifier et de se nourrir de plusieurs sources et enfin « d’angler », c’est à dire de trouver le bon angle et de se focaliser sur la bonne chose. Le clé de réussite d’un animateur est de se poser les deux questions suivantes : 

• Qu’est-ce que l’auditeur a envie d’entendre ?

• Qu’est-ce que je peux apporter aux gens ?

Toutes ces personnes et tout ce travail fourni attirent jusqu’à 50 000 auditeurs tous les jours. On constate une certaine variation d’audience au cours de la journée. ainsi, le plus gros pic d’écoute se situe le matin vers 8 h, pendant les trajets en voiture pour aller au travail. À contrario, vers 13h, il y a peu d’écoute, dû à l’effet post-prandial, mais aussi à la concurrence d’autres médias tels que la télévision avec des séries ou jeux très regardés par les personnes âgées. À partir de 16h, le nombre d’auditeurs ré-augmente, car les parents sortent du travail et vont chercher leurs enfants en voiture. Cette augmentation est aussi dûe à deux émissions très fameuses telles que « Les grosses Têtes ». Le nombre d’auditeurs jusqu’à 19h est important ; en effet l’auditoire se compose de trente à quarante mille personnes.

France Bleu Vaucluse fait partie du groupe Radio France qui compte en fait sept radios et  quatre formations musicales (deux orchestres, un chœur et et une maîtrise). C’est une grande maison, plus culturelle que les autres médias, qui compte 9 millions de visites sur le site et 3 millions d’auditeurs. Cependant, aujourd’hui, la radio occupe une place plus restreinte qu’il y a quelques années. En effet les réseaux sociaux ont pris beaucoup d’importance tout comme les plateformes pour écouter de la musique, telles que Spotify, Deezer, ou bien YouTube… la radio est donc en déclin et perd de nombreux auditeurs, il faut donc trouver des solutions, comme le podcast, fréquemment utilisé, qui permet de rediffuser une émission sur Internet. Une autre, en cours de développement, permettrait d’attirer plus de personnes : le son binaural, qui permet de faire vivre la musique dans l’espace. Pour finir, nous avons retenu ce slogan : « la radio, ça se pense, ça s’écrit, ça se dit », qui montre combien le monde de la radio relève d’un grand professionnalisme.

Laura Jaume et Hortense Riedel

Avatar ne se passe plus sur Pandora et s’installe sur Terre.

Les grands êtres bleus ont bien changé depuis le célèbre film de James Cameron. Eh oui, ils ne sont plus aussi grand en taille, mais possède un talent tout aussi extraordinaire. Bon assez de suspense, je vous les présente :

Avatar est un groupe de groove et heavy métal suédois, tout droit venu de Göteborg. Il est formé à l’initiative du batteur John Alfredsson et du guitariste Jonas Jarlsby en 2001, toujours membres du groupe à ce jour. Après 2 années mouvementées, le groupe termine sa formation en 2003 avec le chanteur Johannes Eckerström, le guitariste Simon Andersson, et le bassiste Henrik Sandelin.

Fini les présentations, place à l’action !

Seulement un an après sa formation définitive, Avatar sort son premier EP « 4 Reasons To Die », et enchaîne très vite avec en 2006 la sortie de leur premier album « Thoughts Of No Tomorrow » ; ils n’ont que 18 ans à cette époque ! Ce premier album rencontre un petit succès dans leur pays natal, et les membres du groupe ne comptent pas s’arrêter en si bon chemin. Seulement un an après sa sortie, le groupe sort un nouvel album nommé « Slacht ». Suite à ça, Avatar entame plusieurs tournées en Europe, en tant que première partie, au côté de grand groupe déjà reconnu comme In Flames.

Après leur péripétie en Europe, le groupe retourne en studio pour enregistrer leur troisième album éponyme qui sortira en 2009. Puis, avec leur signature chez Sony Music, le groupe sort un clip, ce qui permettra d’attirer la sympathie de nouveaux fans. Mais ce n’est pas tout, il retourne à la conquête de l’Europe mais cette fois ci au côté de Helloween.

Ils font leur cirque !

En 2012, le guitariste Simon Andersson se sépare du groupe et est remplacé par un petit nouveau avec une ravissante moustache : Tim Öhrström. Cette année marque aussi la personnification du groupe. En effet,  les membres du groupe se mettent beaucoup en scène dans leur musique comme dans leur concert. C’est en 2012, à la sortie de leur album « Black Waltz », qu’Avatar adopte un visuel fortement inspiré du cirque, ainsi le chanteur se déguise en « clown ».

Mais leurs pitreries ne s’arrêtent pas là. Ils changeront de visuel à chaque album mais ils restent concentrés autour de la thématique du cirque. Pour leur premier essai, le chanteur porte de simples bretelles rouges et un treillis militaire. Ensuite, avec la sortie de leur album « Hail The Apocalypse », le clown troc ses bretelles rouge contre un grand menteaux de velours rouge, et les musiciens abandonnent leurs tenues noirs pour quelque chose de plus coloré. Puis ils passent à un costume plus traditionnel suédois à l’occasion de la sortie de « Feathers and Flesh ». On a droit à un petit costume bonus dans un de leur clip acoustique : https://www.youtube.com/watch?v=k2GOGmxjpCY

De l’originalité, même dans leur album.

Les deux derniers albums d’Avatar « Feathers and Flesh » et « Avatar country » sont ce que l’on appelle des albums concept. Cela veut dire que tout l’album est centré sur une histoire et que chaque musique traite une étape de l’histoire. Ainsi, ces deux albums racontent respectivement l’histoire d’une chouette voulant empêcher le lever du soleil et l’autre album raconte l’histoire d’un roi, incarné sur scène par le guitariste Jonas Jarlsby.

De plus, les clips ne leurs suffisent pas. Ils ont donc décidé de produire quelques court-métrages d’une heure. S’ils vous intéressent, l’un d’eux est disponible sur leur chaîne youtube, mais la version française n’est pas encore là… Mais en voilà un pour vous mettre l’eau à la bouche : https://youtu.be/OutGDZgFPiE 

Même leur site internet est original, il semble être inspiré des anciens jeux point and clic avec des graphisme cartoonesque. N’hésitez pas à y faire un tour : https://avatarcountry.com/public/login

Maxence.

Vous avez envie de vous envoler au pays du soleil levant ? De vous laisser emporter par un conte japonais plein de poésie ? Ce film est pour vous !

Inspiré du compte japonais « le coupeur de bambou », Le conte de la princesse Kaguya est un court métrage du studio d’animation Ghibli. Sorti en France le 25 juin 2014, il a obtenu le Prix de l’Académie japonaise du meilleur film d’animation et de la meilleure musique en 2014, l’oscar du meilleur film d’animation en 2015 et enfin « l’Empire Award » pour le meilleur film d’animation en 2016.

Kaguya, « la princesse lumineuse », est une minuscule princesse découverte dans la tige d’un bambou par un vieux coupeur de bambou. Il la ramène chez lui en la considérant comme un don du ciel et décide de l’élever avec sa femme. Le petit être grandissant a vue d’œil se fit appeler par les enfants du village « pousse de bambou ». La petite « pousse de bambou » grandit alors dans la campagne avec les enfants du village mais le vieil homme trouva dans un bambou une grande quantité d’or ainsi que des étoffes. Cette trouvaille le persuade que sa fille doit devenir une grande princesse. Il arracha sa fille de son village pour l’emmener à la capitale où elle suivra une éducation de noble afin de devenir une riche princesse. Lors de la cérémonie du passage à l’âge adulte elle se fera nommer « La Princesse Kaguya * des bambous graciles » en raison de sa souplesse et de sa beauté « lumineuse ».

*Le mot Kaguya signifie lumineux en japonais

Mais cette vie de noble et de richesse ne l’intéressera pas et elle rêvera de fuir pour retrouver sa campagne guidée par le souvenir d’une chanson qu’elle connait depuis toujours.

Avis Personnel :

J’ai trouvé ce film très poétique avec de belles leçons et tout cela dans un univers japonais traditionnel. L’animation est magnifique, digne des Studios Ghibli. La chanson chantée tout au long du film et que l’on voit également évoluer au fil des événements est aussi très belle. Elle passe d’une chanson enfantine à une chanson plus sombre.

Voici des liens pour écouter la chanson:

Au début du film: https://www.youtube.com/watch?v=2I0tE_m1x4c

Vers la fin du film: https://www.youtube.com/watch?v=eNiAhARRp4k

Anne-Amélie NASSIET

L’opéra et la gastronomie sont tous deux marqués par la passion d’un même homme, Gioachino Rossini. Si vous en êtes amateurs, cet article va vous intéresser !

Rossini (1792 – 1868) est un grand compositeur italien du XIX^e siècle. Il est souvent décrit comme colérique, plein d’humour, joyeux, bon-vivant, gastronome, et d’une paresse légendaire. Ainsi, nous pouvons retrouver dans chacune de ses œuvres, fantaisie, légèreté et vivacité.

Rossini écrit de nombreux opéras, comme « Guillaume Tell ». Il compose également des opéras bouffes, comme « le Barbier de Séville » ou « l’Italienne à Alger ».

L’opéra bouffe est un opéra où l’on retrouve satire, parodie et humour. Rossini rédige également des opéras beaucoup plus sérieux et tragiques, appelés opéras seria, comme par exemple « Otello ».

Mon avis :

En tant que musicienne, j’ai eu le plaisir de jouer une de ses compositions : les « Variations pour clarinette et petit orchestre ». J’ai beaucoup aimé cette œuvre à caractère enjoué et léger, où j’ai pu retrouver le style typiquement italien. Pour l’écouter, cliquez sur le titre du morceau.

Revenons sur son goût pour la gastronomie précédemment cité. En effet, notre compositeur s’inscrit autant dans l’histoire de l’opéra, que dans celle de la gastronomie. En plus de ses œuvres musicales, il nous laisse comme héritage quelques unes de ses copieuses recettes, comme le tournedos Rossini.

« Ce que l’amour est au cœur, l’appétit est à l’estomac. L’estomac est le maître de musique qui freine ou éperonne le grand orchestre des passions ; […] Manger et aimer, chanter et digérer sont les 4 actes de l’opéra bouffe qui a pour titre la vie […] Celui qui la laisse s’enfuir sans en profiter n’est qu’un fou », dit Rossini.

Cette citation traduit bien la philosophie de Rossini, qui malgré son immense talent de musicien, pouvait passer plus de temps dans les cuisines qu’à composer !

Anna Foucault Castelli

Bibliographie :

https://crimsongourmet.com/blogs/recipes/tournedos-rossini

https://fr.wikipedia.org/wiki/Gioachino_Rossini

https://www.francemusique.fr/opera/gioacchino-rossini-10-petites-choses-que-vous-ne-savez-peut-etre-pas-sur-le-compositeur-de-guillaume-tell-59688

Vous découvrirez avec cet article les différentes caractéristiques du metal comme du reggae. Ces deux univers qui semblent opposé, mais qui pourtant s’accorde parfaitement !

Qu’est ce que le reggae ?

Le reggae est un genre musical ayant émergé à la fin des années 1960, très connu en Jamaïque. Le reggae, au fil du temps, et devenu un genre musical international.

Les instruments typiques du reggae sont : basse, batterie, guitare, conga, chant.

En Novembre 2018, le reggae fait son entrée dans le patrimoine culturel de L’UNESCO. Il faut savoir que c’est la chanson Do The Reggay de Toots and the Maytals, qui a été la première en 1968 a utiliser le nom reggae. Mais la musique a ensuite connue un succès mondial grâce à des classiques comme Bob Marley et son groupe The Wailers, notamment les chanson No Woman, No cry ou encore Stir it up.

Le reggae a quelques sous-genres tel que le Roots Reggae. Des genres dérivés comme Reggae fusion, seggae, samba. Mais aussi un genre associé bien connu, à savoir le DUB.
Voici DUB INC, un des groupes les plus célèbre en matière de DUB.

Qu’est ce que le Metal ?

Le metal, ou heavy metal, est un genre musical dérivé du rock, qui est apparu au Royaume Unis et aux Etats-Unis à la fin des années 1960. Le metal est un genre musical mondial, surtout dans les années 1980.

Les instruments typiques du metal sont : la guitare électrique, la basse, la batterie, le chant ( gutural ou non) et le clavier.

Le chant gutural est une technique vocale très particulière qui, à ce jour, n’est utilisée que dans le metal. Voici une vidéo de la chaîne Metalliquoi qui explique parfaitement ce qu’est le chant gutural et les groupes qui on utilisés cette technique.

Le metal étant dérivé du rock, les groupes comme BLACK SABBATH, LED ZEPPELIN ou encore DEEP PURPLE, qui ont su combiner le rock et le blues avec d’autres influences, sont des pionniers. Voici quelques une de leurs musiques.

Le metal possède beaucoup de sous-genres, de genres dérivé et de genres associés.
En voici quelques exemples :
• Sous-genres : – black metal
– Death metal
– Doom metal
– Trash metal
– Groove metal
– Glam metal
• Genres dérivés : – Crust punk
– Grindcore
– Metalcore
– Metal alternatif
– Metal industriel
– Metal Symphonique
• Genres associés. : – grunge
– Punk Rock
– Hard Rock

Pour conclure, une musique que j’ai beaucoup aimé : The Unforgiven de Metallica mais reprise version reggae par Albarosie en featuring avec Raging Fyah. Du pur METAL repris en reggae, du vrai génie !!

ROCHELET Sancia.

Coucouuu, aujourd’hui petit article qui, je pense, va vous plaire !

Rentrons dans le vif du sujet aujourd’hui je vais vous partagez une musique que je connais depuis un petit moment et que vous connaissez sûrement aussi, il s’agit de … « Somebody that I used to know » de l’auteur-compositeur et chanteur belgo-australien Goyte. Dans cette musique Gotye chante en compagnie de Kimbra une chanteuse néo-zélandaise.

Pourquoi j’ai décidé de vous parlez de cette musique ?

Tout simplement car elle m’avais beaucoup plu à sa sortie en 2012 et on me l’a refait découvrir il n’y a pas longtemps. Elle comptabilise plus d’1 milliard de vue sur youtube ( c’est quand même pas mal ). Donc parlons  maintenant de la musique : elle démarre lentement avec une voix douce (Gotye) qui est accompagnée de percussions et d’une guitare. Ensuite la voix s’élève et la musique devient prenante et le rythme entraînant. A 2min30 Kimbra ( voix de femme ) rejoint celle de l’homme. Quand les deux voix se rencontrent c’est le moment le plus prennant de la musique et surtout celui que je préfère ! Mais bon c’est bien beau que je vous décrive cette musique mais je vous propose plutôt de l’écoutez pour vous faire votre propre avis ( pour ne rien gâcher le clip lui aussi est bien fait et je l’aime beaucoup ).

Voici le lien : « Somebody that I used to know »

J’espère que cette article vous a plus on se retrouve bientôt pour un nouveau coup de coeur.

Mélanie.

Old School Funky Family, bien plus un groupe de musique, une famille !

« Faire de la musique sérieusement sans se prendre au sérieux »

Le Old School Funky Family, un groupe de musique funk venu à Sorgues pour faire un concert avec des élèves de l’école de musique et d’une classe CHAM le 14 et 15 février 2020.

C’est un groupe de funk composé de 8 personnes : un batteur qui est aussi le compositeur des morceaux, un guitariste un pianiste, un soubassophone et un quatuor de saxophones (soprano, alto, ténor, baryton). Ils se connaissent depuis 14 ans. Ils ont déjà enregistré 3 albums. Leur style musical est un mélange deux style différents :

• A la fois du funk qui est un genre de musique apparu dans les années 1960 au États-Unis. Ce style de musique est issu du soul et du jazz ; il est marqué par une prédominance rythmique avec un trio rock (guitare, basse, batterie) qui va jouer des motifs syncopés mais aussi des interventions assez fréquentes de cuivre sur des riffs ou des solos.
• Et de l’afro beat, démocratisé en Afrique dans les années 1970. C’est un mélange plusieurs autre styles tels que le jazz, la funk, la musique traditionnelle nigérienne et le highlife (qui sont tous les deux des styles issus de la culture africaine) ; il y a aussi parfois su chant qui mélange différents styles vocaux qui sont accompagnés avec des percussions.

Le Pôle culturel Camille Claudel de Sorgues a une école de musique et de danse et est en collaboration avec la classe CHAM (Classe a Horaire Aménagée Musique) du collège Voltaire. Ce groupe de musique avait déjà fait un projet avec cette classe CHAM et une autre classe du groupe Orchestre A l’Ecole d’un collège d’Oloron Sainte Mairie il y a quelque année où il y avait des master-class avec les membres du groupe, afin de faire un concert commun pour le festivale de jazz d’Oloron Sainte marie. Cette expérience a été très instructive et cette année cette école de musique a décidé de renouveler le projet avec le groupe et la classe cham du collège Voltaire ainsi que certaines classes de cette école et a prévu des répétions assez régulières avec le compositeur. Pour les concerts prévus le 14 et 15 février certaines de leurs musiques ont été reprises telle que Mucho Mas Mejor (lien youtube : https://www.youtube.com/watch?v=eLyl3vCG4gY )

Je pense que ce fut une expérience très enrichissante autant du point de vu musical car ce n’est pas un style de musique que j’ai l’habitude de jouer, qu’humainement parlant car les musiciens du groupe qui débordaient d’énergie et nous pouvions la ressentir à travers leurs morceaux, qui sont très entrainants et leurs façons de jouer. On pouvait ressentir une vague de bonne humeur, une joie et un plaisir de faire de la musique à leurs coté. C’était un plaisir de jouer avec eux lors du concert et des répétions.

« Le projet du Old School était vraiment super, j’ai beaucoup appris et ce projet m’a énormément plus. J’ai directement accroché à leur style de musique. Faisant moi-même partie de l’école de musique et de la classe CHAM, j’ai eu l’occasion de participé à plusieurs groupes d’instrument avec les différents instruments que je joue, la trompette et le violoncelle. Un membre du groupe venait tous les mois pour répéter avec nous leurs morceaux et surtout nous guider sur quels styles il fallait adopter. Tout ceci dans une super ambiance ! La semaine du spectacle un deuxième intervenant est venu pour nous donner un cours d’improvisation. Les concerts étaient géniaux, l’ambiance géniale et les intervenant aussi géniaux que leurs musiques. » Sabah, violoncelliste et trompettiste.

« Ce concert qui a duré presque deux heures était un régal. Une première partie avec l’école de musique et la CHAM ou on sentait la complicité entre le groupe et les élèves puis une 2éme partie ou le groupe a joué seul avec une énergie débordante. C’étaient des moments intenses, avec une bonne ambiance dans le publique qui à la fin du concert en demandait encore. » Une spectatrice.

Hidayete BECHIKH