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Le comédien et le machiniste

Louis Jouvet, comédien, pédagogue et metteur en scène de théâtre français. 1887-1951.

« Quand je considère les gens de théâtre, c’est le machiniste qui m’apparaît, pour avoir, mieux qu’un autre, le sens dramatique. Tout ce que je sais du théâtre, je l’ai appris d’abord avec les machinistes, sur la scène, dans cet espace imaginaire où se passent des actions imaginaires qu’on appelle pièces de théâtre. Dans cette profession où chacun travaille dominé par un sentiment, le machiniste est peut-être le plus éminent. Celui qui sait dire le sens des choses invisibles, celui qui sait en faire les écrans, qui a le sens du théâtre.

Le poète en a le don, l’acteur s’y exerce et en profite de toute façon mais le machiniste en a comme le secret. Car il a le sens du métier. Un métier secret et qui fait du secret du théâtre, le secret d’un métier.

Le sentiment dramatique de l’acteur n’est pas celui du lieu. Il peut jouer deux cent fois et serait incapable de décrire le décor qui le reçoit.

Il n’a de sentiments dramatique que pour lui-même, pour son costume, son entrée et sa sortie de scène. Le lieu ne le préoccupe pas. La salle plus que la scène lui importe beaucoup plus. Est-elle trop grande ou trop petite ? Il ne s’occupe que de son texte et de sa scène. Et toute sa fonction est réduite à ce duel entre son rôle et le public. Son sentiment dramatique est orienté sur un personnage, qu’il parasite et où il se ventouse et se sustente.

Jean Mounet-Sully dit Mounet Sully, acteur français, 1841-1916.

D’ailleurs ce sentiment n’est pas désintéressé. Il vise à son succès, à son éclat. S’il est applaudi, tout disparaît autour de lui, s’il n’est pas remarqué rien n’existe des beautés environnantes.

Mais celui qui vit et travaille pour le lieu dramatique agit bien différemment.

Celui qui pendant des semaines, cloue, colle, scie, invente par cent devis : menuiser, forgeron, ébéniste, charpentier, gabier, tapissier, tapeur, ingénieur et ouvrier à la fois. Que n’est il pas ?

Il sait tout faire : Un salon, une cabine de bateau, un palais grecque une chambre renaissance.

Celui-là éprouve et pratique le sentiment dramatique à l’état pur pour tout ce qui touche au théâtre. Ce que j’ai vu ou appris de lui est la vraie tradition.

On se sent l’âme d’un spectateur à être assis dans la salle vide et contempler la scène en travail.

Voir le décor se former peu à peu, errer dans la salle et aller s’asseoir dans d’autres fauteuils, visiter les loges et les avants scènes d’où l’aspect du décor change à chaque fois. Rendre à chaque fois par l’imagination, l’état d’esprit, le rang, la condition du spectateur qui occupera cette place.

On imagine qui il sera, comment, avec qui. On se met à sa place, ressentons sa joie ou sa mélancolie.

Soudain les lumières en s’allumant ou en s’éteignant viennent changer les proportions et les perspectives du décor.

 

Errer dans les coulisses pendant que les hommes s’affairent dans une lente attention, une ardente patience, avec des gestes simples.

Ils passent, repassent, descendent dans les dessous du théâtre, ces entrailles, cet enfer qui a la magie, la sorcellerie, le charme et l’aspect redoutable et incompréhensible des greniers de notre enfance.

 

Ils montent dans les cintres, sur les passerelles et les services, les balcons semblables aux bastingages des bateaux avec leurs lices et leurs cordages, bien arrêtés par des chevilles régulièrement espacées dont la part inutile est roulée sur le plancher. Pour ne pas impatienter ces hommes, on s’efface et on retourne dans la salle. »

Le théâtre est un domaine où les êtres et les choses touchent enfin à la liberté.

 

  • Extrait de « Louis Jouvet, Préface à l’édition en langue française de La Pratique pour fabriquer scènes et machines du Théâtre par Nicola Sabbattini, 1942, pp. 39-40. »
  • Ecoutez l’Enregistrement du texte lu par Pierre Fresnay.
  • Voir le Lexique du Théâtre ainsi que l’article Scénographie, par Jean Cholet.

Pour ceux que les mots régalent !

 

1.  Le plus long palindrome de la langue française est « ressasser »

On peut donc le dire dans les deux sens.

2.  « Squelette » est le seul mot masculin qui se finit en « ette ».


3.  « Institutionnalisation » est le plus long lipogramme en « e »

C’est-à-dire qu’il ne comporte aucun « e ».

4.  L’anagramme de « guérison » est « soigneur » !

5.  « Où » est le seul mot contenant un « u » avec un accent grave
Il a aussi une touche de clavier à lui tout seul !

6.  Le mot « simple » ne rime avec aucun autre mot.

Tout comme « triomphe », « quatorze », « quinze », « pauvre », « meurtre  , « monstre », « belge », « goinfre » ou « larve ».

7.  « Endolori » est l’anagramme de son antonyme « indolore », ce qui est paradoxal.


8.  « Délice », « amour » et « orgue » ont la particularité d’être de genre masculin et deviennent féminin à la forme plurielle

Toutefois, peu sont ceux qui acceptent l’amour au pluriel. C’est ainsi!

9.  « Oiseaux » est, avec 7 lettres, le plus long mot dont on ne prononce aucune des lettres : [o], [i], [s], [e], [a], [u], [x]

« Oiseau » est aussi le plus petit mot de langue française contenant toutes les voyelles.

Eh oui ! 

 

« Code », 3ème roman de la série « Tory Brennan »

CODE, 3ème roman  de la série « Tory Brennan » de Kathy Reichs et Brendan Reichs.

Ils n’auraient pas dû. Ils n’auraient pas dû participer à ce jeu de piste entamé sur Internet. Ils n’auraient pas dû tenter de résoudre cette première énigme. Pourtant, c’était un vrai défi lancé à leur intelligence. Et à leurs supers pouvoirs. Alors comment auraient-ils pu résister ? Oui, c’est sûr, ils n’auraient pas dû. Mais maintenant l’intrépide bande d’adolescents est face à ce compte à rebours qui s’égrène, les rapprochant inexorablement de la fin. L’équation est simple : une énigme à résoudre, un temps donné. S’ils échouent, des innocents périront. L’effroyable course contre la montre est lancée…

Les personnages

Les héros de ce roman sont des adolescents : un groupe d’amis, 3 garçons et 1 fille.  Mais Tory, Hi, Ben et Shelton sont plus que de simples amis. Ils sont liés. Ils ont été infectés par un mystérieux virus qui leur donne des capacités hors du commun. Ils sont capables, lorsqu’ils se concentrent, d’acquérir les capacités d’un loup et d’être reliés les uns aux autres comme pourrait l’être une meute. Ce sont des lycéens très intelligents qui aiment les défis et les énigmes cependant, ils vont êtres confrontés à un vrai danger et vont devoir s’adapter aux envies d’un fou furieux qui va jouer avec eux. Un jeu très dangereux qui va les emmener loin…

Avis

J’aime beaucoup l’héroïne Temperance Brennan de Kathy Reichs. C’est donc avec plaisir que j’ai découvert sa série orientée davantage pour la jeunesse. Il y a beaucoup de suspense et l’histoire nous captive jusqu’à la fin. j’ai été happée par les aventures des 4 amis « viraux » (nom qu’ils donnent à leur meute).
On entre dans le vif du sujet dès les premières pages. Les 4 amis découvrent grâce à un détecteur de métaux et un site internet spécialisé un coffret enfoui. Va alors commencer pour eux une course contre la montre qui pourrait conduire à la mort de plusieurs personnes… Ils ne s’attendaient pas à ce que le Jeu les amène aussi loin !

Le livre se lit très vite, l’intrigue est très bien menée. Au fil des page, les relations entre les amis s’intensifient. Ils sont soudés, intelligents et bien que Tory soit la plus jeune, elle est leur meneuse.

Le dénouement est assez étonnant mais à la hauteur de l’histoire. Et j’ai hâte de lire la suite pour les retrouver dans de nouvelles aventures !

En bref, des personnages très attachants, une intrigue bien menée et palpitante et un dénouement à la hauteur du reste font que j’ai vraiment dévoré ce livre et passé un excellent moment !

Ce livre est pour vous si vous aimez les courses contre la montre et les énigmes qui amènent les personnages à se surpasser pour sauver le monde !

Je vous souhaite une bonne lecture et bonne continuation !

 

Morgane B

 

 

 

Shaka Ponk : Le groupe révélation !

Shaka Ponk : Le groupe révélation !

C’est le phénomène électro pop du moment : Shaka Ponk, le groupe complètement frappé qui remplit les salles de concerts et fait danser la planète entière.

Ce groupe a vu le jour entre Paris et Berlin au début des années 2000, animé par un concept visant à associer musique, images et activisme. C’est aujourd’hui un groupe à part entière qui s’inscrit dans la lignée d’un rock alternatif et qui compte bien changer la donne.

Il est composé de six membres : Goz,  un singe virtuel devenu la marque de fabrique du groupe qui apparaît à chaque concert sur un écran circulaire situé sur scène, Frah de son vrai nom François Charon (chant et autres instruments), Mandris (basse), CC, de son vrai prénom Cyril (guitare), Steve (claviersamples), Ion Meunier (batterie) et Samaha Sam (chant), qui n’intègre le groupe qu’en début 2010. Leurs paroles constituent un mélange d’anglais, d’espagnol et d’espéranto, plus rarement de français.

« Bad Porn Movie Trax », leur second album sorti en mai 2009 va les conduire sur les scènes des plus grands festivals. Ils sont nommés en 2010 aux Victoires de la musique dans la catégorie révélation scène. Leur troisième album   »The geeks and the jerkin’socks  » comporte 12 titres animés par une rage explosive qui séduit et qui vient toujours de leur influence première : le rock.

« My Name Is Stain » passait sur toutes les ondes cet été, et si vous n’avez pas eu l’occasion d’entendre ce groupe hors du commun, vous passez à coup sûr à côté d’un phénomène ! Leur morceau  »Let’s Bang » a propulsé le groupe sur le devant de la scène et leur musique new generation a su séduire les foules.

Jeunes, dynamiques et audacieux, les membres du groupe innovent musicalement et savent offrir un véritable show à leurs nombreux fans. Grâce à son style unique et futuriste, Shaka Ponk a su s’imposer dans l’univers du disque et est une des grosses révélations du moment.

Certains reculeront sûrement devant une apparence qu’ils jugeront « commerciale » mais leur succès est justifié ! Après les grands comme Trust, Noir Désir (le groupe a d’ailleurs fait un morceau avec Bertrand Cantat, le chanteur de Noir Désir) ou Téléphone, le rock français a connu une période de grand calme. Mais ce nouveau groupe s’installe en imposant fraicheurs et innovations qui séduisent le monde entier ! La fusion entre différents genres tels que l’électro-rock, le funk, le rock alternatif ou encore le métal leur donne une énergie à couper le souffle, sans parler de leur concerts, desquels on ressort sans voix ! Un concept original doté d’images virtuelles surprenantes, à découvrir sans plus attendre !

Quelques morceaux :

Palabra Mi Amor Featuring Bertrand Cantat : http://www.youtube.com/watch?v=MrLWo2QOsH4

Sex Ball : http://www.youtube.com/watch?v=bASW_zaurBk

I’m Picky : http://www.youtube.com/watch?v=-LVWXQ2F3KI

Let’s Bang : http://www.youtube.com/watch?v=jWYLL7wFyns

Et le fameux My Name is Stain ( mais pas le meilleur ! ) http://www.youtube.com/watch?v=bASW_zaurBk

 

Mélissa Ollinger

la batterie – article n°1

La batterie

 

La création de la batterie remonte au début du XXème siècle.

En effet, au début des années 1900, le jazz apparaît en Amérique. La batterie telle qu’on la connaît est alors innovée : les dimensions de bases des fûts sont : une grosse caisse 22’’   –  une caisse claire 14’’   –  trois toms 12’’ 13’’ 16’’  et des cymbales

Plusieurs styles de batteries seront alors développées avec des dimensions différentes :

  • Les jazzetes : GC 20’’, CC 14’’, toms 10’’ 12’’ 14’’
  • Fusion : GC 20’’, CC 14’’, toms 10’’ 12’’ 14’’ et 16’’
  • Club : GC 22’’, CC 14’’, toms 10’’ 12’’ 14’’ moins profonds.

La particularité de cet instrument est qu’il est personnalisable à souhait : couleur désirée, nombre de fûts et de cymbales, taille des fûts et cymbales, la position de chacun, etc… la batterie s’adapte à celui qui en joue.

Je vous invite donc à suivre les articles décrivant la batterie en long en large et en travers. Chaque article traitera d’un sujet précis comme les styles de peaux, les cymbales etc…  Commentez les articles et demandez sujets, styles de jeu, ou même conseils si besoin, auxquels je répondrai avec plaisir dans les prochains articles.

Alors, que la musique soit et que les fûts résonnent,

D’une rythmique aussi douce que le cœur battant d’un homme.

Nicolas Martin

L’origine des notes de musiques

Les notes de musiques telles qu’on les nomme en France : Do, Ré, Mi, Fa, Sol, La, Si tiennent leur origine d’un chant latin, l’Hymne de Saint Jean-Baptiste :

Ut queant laxis
Resonare fibris
Mira gestorum
Famuli tuorum
Solve polluti
Labii reatum
Sancte Iohannes

Au XIème siècle, le moine Guido D’Arezzo eut l’idée de prendre les premières syllabes. (Do s’appelait Ut avant, cette appellation ancienne a donné naissance à la clef d’ut.) Lire la suite

« R & J », coup de coeur du festival d’Avignon

 

 R&J            Cette pièce « R & J » a été l’un de nos plus grands coups de cœur du festival 2013. Elle s’est admirablement démarquée des autres grâce à sa faculté à passer du rire aux larmes à tous moments, presque sans  vraie transition. L’une des pièces les plus expressives, elle plaira à tout le monde, allant des jeunes enfants aux adultes expérimentés. Malheureusement, nous ne savons pas si elle se reproduira l’an prochain pour le festival.

Néanmoins, il est certain qu’elle se jouera à La Vence scène, 1 avenue du Général de Gaulle 38120 Saint-Egrève le Samedi 25 janvier 2014 à 20h30 !

Grâce à la compagnie « P’tite Peste », vous redécouvrirez cette magnifique histoire des très célèbres « Roméo et Juliette ». Elle vous sera brillamment interprétée et revisitée par de talentueux comédiens. La preuve ? A trois seulement, ils se glissent dans la peau de seize personnages au total ! C’est une pièce vivante, pétillante et pleine d’énergie qui vous réjouira à coup sûr ! Vous n’en ressortirez pas sans de bons souvenirs plein la tête !

Shakespeare, l’auteur de la pièce originale, serait même étonné de la façon dont les comédiens Anna Mihalcea, Régis Vallee et Charles Lelaure (tous les trois acteurs et comédiens français) font revivre cette pièce totalement différemment. Le tout ingénieusement mis en scène par Alexis Michalik je vous laisse alors imaginer le résultat émanant de cette équipe, gagnante à tous les coups !

Comédie très agréable, mais surtout très riche en émotions ! On peut se trouver dans un instant de grande tension, et… pouf ! L’instant d’après est un moment de pure comédie. Il est vrai qu’il ne faut pas s’attendre à voir un « Roméo et Juliette » classique, et pourtant, c’est bien l’oeuvre de William Shakespeare que vous allez voir.

Comédie également tout public, et donc vraiment accessible à tous.

Rejoignez donc notre avis et venez admirer ces comédiens extraordinaires se démultiplier sur scène dans l’enthousiasme et la bonne humeur !

C’est un véritable coup de coeur du OFF ! Retenez : « R & J ».

La Presse en parle…
« Décalé et jubilatoire. Une tornade de folie théâtrale. »  Figaro
« La tragédie la plus drôle de Shakespeare »  Rue du théâtre
« Mise en scène endiablée d’Alexis Michalik »  Les 3 coups
« C’est à la fois un petit bijou et une belle folie »  Pariscope

Anaïs Jaudon

All Time Low, un groupe de pop punk américain

All time lowAll Time Low est un groupe de pop punk américain de Baltimore , Maryland, formé en 2003. Le groupe est composé du chanteur et guitariste Alex Gaskarth , guitariste Jack Barakat , le bassiste Zack Merrick, et le batteur Rian Dawson . Le nom de All Time Low est tiré de paroles dans la  » Head on Collision. » de chanson de New Found Glory (http://www.youtube.com/watch?v=QbPajfIwRRs&hd=1).

Former tout au lycée, All Time Low a commencé en faisant des reprises des groupes punk pop tels que Green Day et Blink-182 .

Pour la petite histoire, Jack Barakat, guitariste, invita Alex Gaskarth à venir faire des reprises de blink 182 bien qu’au départ alex détestait ce groupe. Un jour, le groupe voulu reprendre la chanson Roller Coaster mais le batteur ne savait pas la jouer et c’est ainsi que Rian Dawson intégra le groupe. Le bassiste intégra peut après le groupe grâce a une annonce.

Le groupe a à ce jour sorti 2EP, 5 albums studio, 1 album live et 1 DVD. Leur plus récent album, est  « don’t panic : it’s longer now !

Les titre les plus connus sont : « Dear Maria, Count Me In » (http://www.youtube.com/watch?v=GcNiKCmWdYE), « Weightless » (http://www.youtube.com/watch?v=TpG3BxRctQ4) ou encore « I feel like dancin’ » ((http://www.youtube.com/watch?v=MTJkE8Ki3Gg)

J’ai choisis ce groupe parce que c’est un groupe pas très connut en France alors qu’il a vraiment du potentiel et qu’il le mérite.

Coraline Pied-Mazier

Le festival d’Avignon

 

Le festival d’Avignon

1250 spectacles, 120 lieux de représentations, une foule impressionnante dans les rues et les théâtres  … Chaque année, c’est plus d’un million de billets qui sont vendus à l’occasion du célèbre festival Off d’Avignon, qui se déroule au mois de juillet ! La vente des cartes d’abonnement a augmenté de 11,2% par rapport à la saison de 2012.

Mais comment a-t’il été créé ? Et pourquoi est-il si populaire ?

Il est fondé en 1947 par le comédien et metteur en scène Jean Vilar suite à sa rencontre avec le poète René Char. Celui-ci lui demande de jouer sa pièce « Meurtre dans la cathédrale » dans la cour  d’honneur du Palais des Papes. Vilar refuse mais propose trois autres pièces qui seront jouées dans trois lieux différents, sept fois chacune : c’est la semaine d’Art Dramatique.

L’année suivante, l’aventure continue. De nouvelles créations théâtrales sont présentées au public.  Le festival d’Avignon était né !

René CharRené Char, poète et résistant français, né à Isle-Sur-La-Sorgue, près d’Avignon, né en 1907 et mort en 1988.
 
Jean VilarJean Vilar, comédien français et créateur du festival, né en 1912 dans le Languedoc- Roussillon  et  mort en 1971.

 

Le festival Off ne se met en place que bien plus tard en 1966, et dure non plus une semaine mais un mois.

La différence entre celui-ci et le festival In est radicale. Ce dernier représente le théâtre français et se joue dans des lieux prestigieux comme le Palais des Papes (même si certaines pièces du festival Off y sont parfois également représentées). Le festival Off est beaucoup plus ouvert à la nouveauté, à la jeunesse, et propose des prix plus abordables donc adapté à un plus large public. Il est devenu le cœur du festival.

Les pièces jouées vont des plus classiques aux plus modernes, en passant par les one-man-shows et les représentations jeune public. Elles sont donc très variées, pour un public qui l’est aussi : hommes ou femmes (même si le public féminin domine), jeunes ou personnes âgées, français ou étrangers … Les lieux de représentations sont multiples : Le festival envahit la ville entière, des théâtres s’improvisent dans les lieux historiques, patrimoniaux de la cité des Papes, mais aussi dans les bars, les établissements scolaires ou sportifs aussi bien à l’intérieur qu’à l’extérieur. De nombreuses  troupes s’y font connaître :

Tout le monde peut y trouver son bonheur !

Pour toutes les informations sur le festival d’Avignon et sa programmation, rendez-vous sur www.festival-avignon.com

 

Myriam Aarouf

Nobuo Uematsu, un compositeur en vogue

Nobuo Uematsu

 

Né le 21 mars 1959 à Kochi au Japon, Nobuo Uematsu compositeur, est l’une des grandes figures de l’histoire de Square et du jeu vidéo.

 

 

  • Biographie :

Il commença à prendre des cours de piano à 12 ans et formera son premier groupe 10 ans plus tard en prenant la place du synthétiseur. Cependant, il se rendra vite compte qu’il préfère composer. Il envoya alors des bandes sons à diverses compagnies et fut employé par une radio commerciale CM pour y écrire des musiques publicitaire.

En 1985 un de ses amis lui propose de rencontrer Hironobu Sakaguchi patron d’une compagnie de jeux vidéos du nom de Square qui cherchait un compositeur. Il composa alors la musique de quelques jeux sur NES mais l’entreprise se retrouve en grande difficulté financière : Sakaguchi lui confie alors la composition du jeu de la dernière chance, Final Fantasy. Grâce à son succès inespéré, Final Fantasy sauve Square et donne lieu à de nombreuses suites dont la musique reste sous la responsabilité d’Uematsu .La série engendre une multitude d’albums : bandes originales, mais aussi Piano Collections (thèmes réinterprétés au piano) et autres arrangements.

Tandis qu’il compose certains thèmes de la série télévisée Final Fantasy: Unlimited, Nobuo Uematsu commencera à prendre ses distances en 2001 avec Final Fantasy: il partagera, désormais, les musiques avec d’autres compositeurs pour le dizième et onzième opus. Il forme en 2002 le groupe de métal The Black Mages (avec lequel il fera des arrangement de musique de Final Fantasy), puis prend en charge les musiques de Hanjuku Hero VS 3D (et de sa suite deux ans plus tard).

En 2004, il quitte Square-Enix et travaille enfin à son propre compte en créant la petite société Smile Please, mais continue de composer pour les jeux de la firme. En 2005, il compose sa première bande originale de film : celle de Final Fantasy VII: Advent Children. Il continue à composer pour Sakaguchi qui vient de créer son nouveau studio Mistwalker, ainsi, on le retrouve dans les compositions de Blue Dragon (2007) Lost Odyssey (2008) et The Last Story (2012).
En 2010, suite à une incapacité des membres de se réunir et également à la pression de  Square Enix sur le répertoire de son groupe The Black Mages, il le dissoudra pour en créer un nouveau : The Earthbound Papas. Nobuo Uematsu a toujours le même rôle et le genre de musique est le même mais, il n’est limité à reprendre uniquement des musiques de Final Fantasy.

  • Un style bien à lui :

Il a d’abord été jugé simpliste dans ses compositions à cause d’une pauvreté musicale retranscrite par les anciennes consoles (8/16 bits). C’est avec l’arrivée de la playstation offrant des possibilités sonore bien plus grande que son talent a pu pleinement s’exprimer.

Nobuo Uematsu retranscrit parfaitement à travers ses musiques une émotion qui collera à merveille avec le moment du jeu ou personnage qui y sera rattaché. Des musiques tristes et émouvantes (Tidus and Yuna’s Theme Final Fantasy X) aux passages très dynamiques et entrainants (Jesters of the Moon Final Final Fantasy IX), chacune de ses compositions porte un sentiment propre.
Son goût pour la musique populaire le pousse également à exploiter des compositions allant du folk jusqu’au métal en passant par la musique traditionnelle voire électronique.

Certaines de ses musiques sont très connues comme le Aerith’s Theme dans Final Fantasy VII. Doux et triste, ce titre est devenue très célèbre dans le monde du jeu vidéo car très adéquat avec le personnage d’Aerith. Il connaitra bon nombre d’adaptation dont une chanson quelques années plus tard : Pure Heart.

  • Concerts:

La plupart des épisodes de la série Final Fantasy composé par Nobuo Uematsu on eu droit à des versions orchestrales, des arrangements pour pianos, et à des chansons. Ces morceaux ont été interprétés lors de concerts et représentations organisé par le compositeur.

Final Fantasy : Symphonic Suite
C’est le premier concert de cette série le 20 mai 1989 au Gohanda Hall de Tōkyō. Il reprend des musiques du premier Final Fantasy et de Final Fantasy II. Les morceaux, composés par Nobuo Uematsu, ont été arrangés par Katsuhisa Hattori et Takayuki Hattori, et interprétés par l’orchestre symphonique de Tōkyō.

20020220 Music from Final Fantasy
Concert donné le 20 février 2002 au Tokyo International Forum par l’orchestre philharmonique de Tokyo dirigé par Taizo Takemoto. Les morceaux interprétés étaient des arrangements pour orchestre.
L’orchestre a joué 17 morceaux, pendant presque deux heures. Des morceaux de chaque Final Fantasy  du premier au dixième, ont été interprétés. Deux chanteuses sont également présentent : RIKKI qui a chanté la chanson thème de Final Fantasy X, Suteki Da ne et Emiko Shiratori qui a interprété la chanson Melodies of Life de Final Fantasy IX.

More Friends : Music from Final Fantasy
C’est un concert ayant eu lieu le 16 mai 2005 au Gibson Amphitheatre à Los Angeles, alors que la série de concert Dear Friends: Music from Final Fantasy n’était pas encore achevée. L’arrangement pour orchestre a été réalisé par Shiro Hamaguchi, Tsuyoshi Sekito et Michio Okamiya et l’orchestre a été une nouvelle fois dirigé par Arnie RothThe Black Mages ont interprétés The Rocking Grounds et Maybe I’m a Lion et se sont joint à l’orchestre pour la pièce Advent: One-Winged AngelRIKKI et Emiko Shiratori ont chanté respectivement Suteki da Ne et Melodies of life, et les chants de l’Opera Maria and Draco ont été interprétés par Stephenie Woodling, Chad Berlinghier, et Todd Robinson.

Distant World : Music from Final Fantasy:
C’est le nom de la toute première tournée mondiale de concerts symphoniques des musiques de la série Final Fantasy qui fut créée pour souligner le vingtième anniversaire de la sortie du premier jeu de la série. Produite par AWR Music Productions, la tournée visite de nombreuses villes où des orchestres locaux, dirigés chaque fois par Arnie Roth.
Le nom donné au concert, comme pour la tournée Dear Friends, est tiré d’un des morceaux de la série, Memoro de la Stono (Distant Worlds) du jeu Final Fantasy XI.
La tournée débuta le 4 décembre 2007 à Stockholm, en Suède, et se poursuit.

 

Estelle Poirault